Brian Henson citations célèbres

Et donc en tant que réalisateur, en tant que leader, et moi-même en tant que réalisateur et leader, j'essaie en quelque sorte de m'assurer que nous conservons la vision et que nous la corralions, mais au moment où vous terminez quel que soit le projet, une émission de télévision, une série, un film, un spectacle sur scène, cela devrait être le produit de ce que tous ces gens peuvent faire, et par conséquent, cela ne peut jamais être ce que vous imaginiez que ce serait au début.

Pour quiconque essaie d'être un artiste, sur n'importe quel support, c'est un processus très étrange, solitaire, angoissant et effrayant lorsque vous laissez quelqu'un voir sur quoi vous travaillez. Tu dois apprendre à écouter ton instinct. Absorbez les conseils, les opinions des autres ou quoi que ce soit du monde extérieur, mais à la fin de la journée, vous devez être fidèle à tout ce que vous essayez de dire dans ce travail.

Nous sommes profondément attristés d'apprendre le décès de Jonathan Hardy. L'esprit intelligent et la joie qu'il a apportés à sa performance de Rygel étaient un véritable cadeau pour le monde de Farscape. Mes plus sincères condoléances vont à la famille de Jonathan et à ses nombreux fans à travers le monde.

Tout d'abord, vous improvisez à travers une marionnette, donc vous n'êtes pas toujours vous-même: vous êtes une vache ou vous êtes un cochon ou vous êtes une vieille femme, vous savez, quelle que soit la marionnette que vous choisissez, ou vous êtes un démon, vous savez, quoi que vous preniez, c'est ce que vous obtenez d'être dans la scène.

À bien des égards, je pense que c'est plus facile à certains égards, ou c'est plus divertissant ou plus garanti d'être divertissant que l'improvisation traditionnelle. Encore une fois, parce que vous n'êtes pas seulement vous dans votre corps.

J'essaie d'imiter son approche de tirer le meilleur parti des gens en leur permettant d'expérimenter et en permettant certainement aux gens de faire des erreurs.

Et encore une fois, nous essayons en quelque sorte d'être à cet endroit, c'est tellement absurde et irrévérencieux et hystérique et c'est quelque chose que dans notre entreprise nous sommes en quelque sorte, nous sommes tellement irrévérencieux à propos de tout, nous sommes en quelque sorte irrévérencieux à propos de l'establishment, nous sommes irrévérencieux à propos de la civilisation, nous sommes irrévérencieux à propos de la philosophie, nous sommes irrévérencieux à propos de la religion.

Et ça a toujours été la partie préférée de mon père sur le tournage aussi. Souvent, mon père tournait très, très tard, il était un bourreau de travail, ils faisaient des tournages de 20, 20 heures et des trucs comme ça.

Et c'était très amusant, et à bien des égards, ce que nous avons fait avec la série est juste une partie de mes premiers souvenirs de rendre visite à mon père, de tourner avec les Muppets, de prendre ça et de faire une série qui est vraiment une extension de cela et de présenter une série qui est tout ça.

Il y a énormément de scènes où nous ne savons pas de quoi va parler la scène, nous demandons au public, choisissons un endroit où la scène se passe, choisissons la relation, nous disons qui ils sont, des choses comme ça.

Et l'une des choses les plus amusantes était de regarder ce qu'ils faisaient avant que le réalisateur appelle action et après que le réalisateur ait appelé cut. Et ils gardaient leurs mains dans les marionnettes, ils restaient dans le personnage, puis ils commençaient à s'amuser les uns avec les autres et sortaient du script, et ça devenait assez bleu.

Vraiment, au départ, j'ai très vite compris que j'aimais le spectacle, car cela me rappelait quand j'étais enfant et que je visitais les décors où mon père tournait avec les autres marionnettistes.

Nous essayons de garder un spectacle chic, mais il est certainement parfois bleu. Et tout dépend du public, parfois nous avons des publics qui ne veulent pas vraiment que nous allions trop loin dans cette direction.

Je pense que dans un effort créatif, dans tout effort créatif, il le faut, les gens doivent pouvoir prendre des risques et s'il s'avère que c'est une erreur, s'il s'avère que ce n'était pas le bon choix, cela devrait être applaudi, vous savez, par tout le monde, et cela proposera un autre plan.

Dans le spectacle, nous avons recréé deux croquis que mon père avait, ou des pièces que mon père avait développées. Un qu'il avait développé avec ma mère, un que Frank Oz avait développé avec mon père. Et ce sont de vieilles pièces des années 50 et 60, et nous allons en développer d'autres aussi.

D'où vient un personnage? Parce qu'un personnage, à la fin de la journée, un personnage sera la combinaison de l'écriture du personnage, de l'expression du personnage, de la personnalité du personnage et de son apparence.

J'ai toujours beaucoup aimé les arts et c'était tellement central dans ma famille, ma mère était aussi professeur d'art, en plus de fonder la compagnie Henson avec mon père, il y avait beaucoup d'art dans notre foyer.

Mais si tout le monde essaie de rester en sécurité, alors vous ne créez jamais vraiment quelque chose de nouveau, de différent et de surprenant.

Et puis pendant qu'elle synchronise ses lèvres, "Je me suis Habituée à Ton Visage", à cette petite tête à côté d'elle, la tête mange le tissu et l'avale et c'est en quelque sorte ce personnage étrange et démoniaque là-bas, qui essaie ensuite de manger le chanteur. Mais c'est très amusant. Il y a donc quelques morceaux comme ça.

Mon père et ma mère l'étaient, ils prenaient ce qui était des tubes populaires, et les synchronisaient avec les lèvres avec des marionnettes et faisaient une histoire ridicule.

Alors c'est Rosemary Clooney-Rosemary? Rosemary Clooney, c'est ça? Le chanteur? Oui. Clooney, en train de chanter, "Je me suis habitué à Ton Visage", qui est, vous savez, vraiment une chanson d'amour, mais ce que nous voyons sur scène, c'est que nous voyons une marionnette qui porte une perruque blonde ridicule et elle a l'air ridicule, et à côté d'elle se trouve une tête qui n'est qu'un morceau de tissu avec un joli visage dessus.

Et si le public est d'humeur coquine et torride, alors il va faire des suggestions coquines et torrides, puis nous les prenons et nous faisons la scène de toute façon, et cela fait partie du plaisir.

C'est vraiment génial de faire un morceau, "Je me suis habitué à Ton visage", a développé mon père en 1956, alors qu'il avait 20 ans, et c'est génial de refaire ce morceau maintenant et de voir qu'il fonctionne toujours aussi bien que jamais.

Nous sommes aussi irrévérencieux, nous avons aussi une attitude irrévérencieuse envers les marionnettes. Donc, une grande partie de ce que nous faisons, c'est que nous nous moquons en quelque sorte des marionnettes pour être des marionnettes, même pendant que nous le faisons. Et encore une fois, tout cela alimente l'absurdité de ce spectacle.

"Stuffed and Unstrung" a commencé comme un atelier, en fait, des cours au sein de notre entreprise. Nous avons constaté que nos marionnettistes n'étaient pas aussi ad libbing que traditionnellement, les marionnettistes de la Jim Henson Company l'ont fait. Nous sommes en quelque sorte célèbres pour sortir un peu du script et de la publicité.

Mais le fait que la plupart du spectacle auquel vous ne pouvez pas vous préparer, vous n'avez aucune idée de ce qui s'en vient est d'abord très éprouvant pour les nerfs, maintenant, c'est plutôt amusant.

Vous vous y habituez, vous attendez avec impatience l'adrénaline du trac avant de sortir.

Et avec les marionnettes, en particulier dans notre entreprise, nous exigeons en quelque sorte un très haut niveau de marionnette, donc c'est une vraie compétence technique.

Une marionnette qui commence à improviser mal est presque plus drôle que la marionnette qui improvise bien. Donc le spectacle s'améliore quand l'improvisation est vraiment bonne, mais aussi le spectacle peut aussi parfois s'améliorer quand l'improvisation tourne un peu mal et c'est en quelque sorte une bénédiction d'improviser avec des marionnettes.

Nous voulions la présenter en première à New York, parce que New York est en quelque sorte la maison de la Jim Henson Company et c'est en quelque sorte le ton et la saveur, toujours, du travail de marionnettes que nous avons traditionnellement fait. Et c'est ce qui nous a amenés ici et maintenant nous sommes ici.

C'est donc ça le défi, vous avez un gros aspect technique de ce que vous faites pendant que vous essayez d'improviser de manière créative.

C'est en fait bien quand les interprètes sont nerveux, car cela aiguise en quelque sorte votre cerveau et un peu d'adrénaline fait du bien. Au début, c'est vraiment difficile.

Je pense qu'au départ c'est terrifiant parce qu'entrer dans un spectacle où, vous savez, "Oh, je vais être sur scène pendant deux heures, je n'ai aucune réplique à mémoriser, je n'ai rien de vraiment préparé", et en fait je dis ça, le spectacle n'est pas entièrement improvisé.

Le spectacle est probablement composé à 60% d'improvisation et à 40% non. Donc, il y a pas mal de choses que nous avons préparées et cette partie, vous l'avez mémorisée et vous avez répété et vous êtes préparé, comme n'importe quel spectacle.

Et puis après le succès du Melbourne Comedy Festival, nous nous sommes regroupés à Los Angeles et nous sommes retournés au travail et avons décidé de développer un spectacle approprié et c'est à ce moment-là que nous avons commencé à travailler sur "Stuffed and Unstrung", qui est une version beaucoup plus grande et plus nette de "Puppet Up."

Nous avons présenté un spectacle au Festival de comédie d'Aspen, appelé "Puppet Up" à ce moment-là, et à Aspen, nous venons de faire trois spectacles, et à Aspen, il y avait un producteur du Festival Fringe d'Edinborough, qui a dit: "S'il vous plait, venez à Edinborough."

Je me suis dit, eh bien, si nous invitons un public, faisons-le correctement. Alors j'ai mis un public de studio approprié dans nos studios à Los Angeles et c'était juste une petite vitrine et c'était juste pour le plaisir.

Nous avons en quelque sorte perdu beaucoup de cela et les marionnettistes s'en tenaient au scénario et nous pensions que tout devait devenir beaucoup plus drôle, alors nous avons pensé que nous irions voir un bon professeur de comédie d'improvisation.

Je pense que c'est beaucoup plus riche que ce qu'on appelle de l'improvisation charnue, je pense que c'est très drôle, de l'improvisation de marionnettes et de l'improvisation charnue.

Mais au départ, quand je travaillais avec mon père, c'était dans des marionnettes à effets spéciaux avec radiocommande et moteurs et effets de marionnettes.

Mais du point de vue du curriculum, j'étais attiré par les sciences et plus particulièrement par la physique, et j'ai vraiment aimé ça et je pense que pendant un petit moment là-bas, je pensais vraiment que mes études seraient en physique, que c'était quelque chose que j'aimais.

Les gens lui disaient: "Quand tu finis un film, est-ce qu'il est sorti aussi bien que tu le pensais?"Ou," Est-ce que c'est sorti comme vous l'aviez prévu?"

Et cela devrait être quelque chose que seul ce groupe de personnes aurait pu faire avec tout le monde investi.

La première grande chose que j'ai faite avec mon père a été la séquence à vélo dans "The Great Muppet Caper", où Kermit et Piggy font du vélo dans Battersea Park à Londres et c'était une marionnette complexe et des grues qui traversaient le parc, c'était une scène compliquée, et je l'ai fait avec mon père.

Et la réponse de mon père serait généralement quelque chose à l'effet de, A, c'est sorti mieux qu'il ne l'imaginait, mais aussi, il a dit: "Non, il me serait impossible d'imaginer comment ça va sortir."Il a dit:" Oui, j'ai monté une histoire, j'avais un plan, mais ensuite je travaille avec une armée de grands artistes et je veux qu'ils créent tous à l'intérieur de cette création."

Je mélangeais déjà en quelque sorte mon enthousiasme pour la physique scientifique avec le divertissement, la mise en scène et la marionnette.

J'avais 17 ans, certainement à l'âge de 19 ans, je savais que le show business était là où j'allais finir, et j'avais pour objectif de devenir réalisateur.

Je suppose que j'ai appris quelques bonnes leçons de mon père. L'une était que lorsque vous créez quelque chose, ce que vous voulez lorsque vous travaillez avec une équipe d'autres artistes, c'est que tout le monde travaille avec une certaine liberté de création, de sorte que vous tiriez vraiment le meilleur parti de tout le monde.

À ce moment-là, je pensais probablement aux effets spéciaux, quelque chose comme ça, et en effet, les premiers jours où je travaillais avec mon père, après avoir quitté l'école, je n'allais qu'à moins d'un an d'université, puis je transférais, puis j'ai retardé mon transfert, et j'ai fait un film, puis un autre film, et ensuite je n'ai jamais terminé l'université.

Mais probablement, à l'âge de 17 ans, je savais déjà que j'allais probablement me lancer dans le cinéma