Jerry Saltz citations célèbres

Mettez-vous dans la position d'un artiste prometteur vivant dans l'Italie du début du XVIe siècle. Maintenant, imaginez que vous essayez de vous distinguer des autres artistes vivant dans votre ville: Michel-Ange, Raphaël, Léonard ou Titien. Faut-il s'étonner que la Haute Renaissance italienne n'ait duré que 30 ans?

Pour s'engager avec l'art, nous devons être prêts à nous tromper, nous aventurer en dehors de nos zones de confort psychique, suspendre l'incrédulité et nous rappeler que l'art explore et modifie la conscience simultanément.

Lorsque les gens dans les stades font la Vague, c'est l'organisme collectif esprit de groupe qui s'organise spontanément pour exprimer une émotion, passer le temps et refléter la joie de voir les rythmes de plusieurs comme un seul, une rime visuelle ou une musique dans laquelle chacun sent où le mouvement va.

Des milliards de photos sont prises chaque année, et la chose la plus difficile qu'un photographe puisse faire est d'inventer un style visuel original, profondément personnel et immédiatement reconnaissable. Au début des années 90, Wolfgang Tillmans a fait exactement cela, se transformant en un nouveau genre d'artiste-photographe de la vie moderne.

L'art est une façon de montrer au monde extérieur à quoi ressemble votre monde intérieur.

"Summer of Love: Art of the Psychedelic Era", le voyage du 40e anniversaire du Whitney Museum dans la mémoire de la contre-culture, offre des moments de plaisir bourdonnant, mais cela ne vous laissera que confortablement engourdi. Pour commencer, c'est peut-être le spectacle le plus blanc, le plus direct et le plus conservateur vu dans un musée de New York depuis que le psychédélisme est nouveau.

L'art est en train de changer. Encore une fois. Tiens. Maintenant. Les occasions d'en être témoin sont rares, alors assistez et observez.

En art, le scandale est un faux récit, un écran de fumée qui camoufle plutôt que révèle. Lorsque nous ne savons pas ce que nous voyons, nous réagissons de manière excessive.

La plus grande œuvre d'art de New York? La question semble nébuleuse. La magie et la majesté de la ville sont distillées dans les photographies d'Alfred Stieglitz et de Paul Strand.

Artistes travaillant pour d'autres artistes, il s'agit de connaître, d'apprendre, de désapprendre, d'initier des dialogues artistiques à long terme, d'établir des liens, de créer des covens et d'obtenir un abri temporaire contre la tempête.

À l'extérieur des musées, sur les places publiques bruyantes, les gens regardent les gens. À l'intérieur des musées, nous quittons ce royaume et entrons dans ce que l'on pourrait appeler l'esprit de groupe, en nous taisant pour regarder l'art.

L'abstraction est l'un des plus grands outils visionnaires jamais inventés par les êtres humains pour imaginer, déchiffrer et représenter le monde.

L'été est le moment idéal pour visiter les musées d'art, qui offrent le rinçage rafraîchissant des piscines - seulement au lieu de l'eau fraîche, vous vous immergez dans l'art.

Il a fallu près de 50 ans au Metropolitan Museum of Art pour s'éveiller à Pablo Picasso. Il n'a possédé aucune de ses peintures jusqu'en 1946, lorsque Gertrude Stein a légué cette image quasi cubiste indomptable d'elle-même - un portrait de l'écrivain en Bouddha sumo - au Met, principalement parce qu'elle n'aimait pas le Musée d'Art Moderne.

Lorsque les musées sont construits de nos jours, les architectes, les directeurs et les administrateurs semblent plus préoccupés par l'espace social: des endroits pour organiser des fêtes, dîner, donner du vin et dîner. Bien sûr, ceux - ci sont importants de nos jours - les musées doivent rapporter de l'argent-mais ils engloutissent de l'espace et éloignent l'art lui-même de l'entrée.

La photographie est la chose la plus facile à faire, et l'une des choses les plus difficiles à bien faire.

L'art ne fait généralement l'actualité en Amérique que lorsque le sujet est l'argent.

L'appropriation est l'idée qui a mangé le monde de l'art. Allez dans n'importe quelle galerie de Chelsea ou biennale internationale et vous le trouverez. Il est là dans des peintures de photographies, des photographies de publicité, des sculptures avec des objets prêts à l'emploi, des vidéos utilisant des films déjà existants.

Mission accomplie. Le deuxième étage du Musée d'Art Moderne, grand ouvert, à hauts plafonds et super renforcé, a été construit à toutes fins utiles pour accueillir des installations monumentales et des sculptures gigantesques, en cas de besoin. Il a surgi.

Marlene Dumas est l'une des deux ou trois artistes féminines les plus réussies du monde, si l'on en juge par les prix. Je n'ai jamais revu son travail, parce que je n'y trouve rien pour m'enthousiasmer, peu importe à quel point j'ai l'air dur.

Les grandes nouvelles peintures de Mark Grotjahn regorgent de torrents d'empâtements cordés, posés dans des fourrés, de vagues en cascade et de faisceaux qui gonflent, se tressent ou se chevauchent.

Beaucoup disent qu'un marchand d'art gérant un musée est un "conflit d'intérêts"."Mais peut-être que le monde de l'art a vécu un mensonge artificiel ou involontaire toutes ces années en matière de conflits d'intérêts.

John Baldessari, le conceptualiste de 79 ans, a passé plus de quatre décennies à faire de l'art conceptuel laconique et ironique sur l'art, à la fois bon et mauvais.

Le style de l'art égyptien ancien est d'une clarté transcendante, quelque chose que les enfants de 8 ans peuvent reconnaître en un instant. Sa cohérence et sa codification constituent l'un des voyages visuels les plus épiques de tout l'art, qui dure 30 dynasties réparties sur 3 000 ans.

Probablement seul un artiste comme moi pourrait attribuer un sens plus profond à quelque chose d'aussi simple et idiot que le Tebowing. Mais, pour nous, chaque fois que les gens répètent une posture ou une petite danse, seuls ou ensemble, nous voyons que cela peut signifier quelque chose. Le langage imagé et tacite est notre truc.

Le cube blanc géant entrave maintenant plutôt qu'il n'améliore les rythmes de l'art. Il préprogramme le parcours du spectateur, déplace l'accent du processus vers le produit et manque d'individualité et d'ouverture. Ce n'est pas que l'art ne devrait être vu que dans des environnements bombardés de rut, mais il devrait sembler vivant.

L'alchimie d'une bonne conservation revient à ceci: Parfois, placer une œuvre d'art près d'une autre fait un plus un égal trois. Deux œuvres d'art disposées alchimiquement laissent chacune intacte, transforment les deux et créent une troisième chose.

Maintenant, les gens regardent "Le Cri" ou les "Iris" de Van Gogh ou un Picasso et voient son nouveau contenu: l'argent. Les maisons de vente aux enchères assimilent intrinsèquement le capital à la valeur.

J'adore les marchands d'art. D'une certaine manière, ce sont mes personnes préférées dans le monde de l'art. Vraiment. J'aime qu'ils mettent leur argent là où sont leurs goûts, créent leurs propres univers esthétiques, soutiennent des artistes, emploient des gens, et font tout cela tout en nous laissant voir de l'art gratuitement. Beaucoup sont des visionnaires.

Bien sûr, l'éthique du monde de l'art est importante. Mais les musées ne sont pas plus purs que n'importe quelle autre institution ou entreprise. Les universitaires ne sont pas nécessairement plus hautains que les galeristes.

De nombreux musées attirent le public avec des œuvres d'art apparemment plus divertissantes que des objets qui ne font que s'asseoir et invitent à la contemplation. L'interactivité, les gadgets, manger, sortir, les choses qui font du bruit - tout est maintenant la norme, souvent en marge de bien d'autres choses.

La carrière de Lucian Freud affirme que la seule chose qu'un artiste peut faire est de rester fidèle à la vision, au (manque de) talent ou aux idées qui les ont choisis pour être connus du monde.

Vivant et travaillant pendant quatre décennies dans un appartement et un atelier de Bologne qu'il partageait avec ses sœurs célibataires, Morandi peignait peu mais des bouteilles, des boîtes, des bocaux et des vases. Pourtant, à l'instar de Chardin et du sous-estimé William Nicholson, le travail de Morandi semble ralentir le temps et vous montrer des choses que vous n'avez jamais vues auparavant.

Si seulement on pouvait persuader les galeries d'observer une période de jachère pendant laquelle, pendant deux mois tous les deux ans, des œuvres d'art nouvelles et anciennes pourraient être vendues dans les arrière-salles et toutes les galeries principales seraient consacrées à revisiter des expositions passées.

Je remarque une nouvelle approche de la création artistique dans les récentes expositions de musées et de galeries. Il s'est mis en évidence à "Younger Than Jesus" du Nouveau Musée l'année dernière et a traversé la Biennale de Whitney, et je le vois fleurir et porter ses fruits à "Greater New York", l'extravagance de talents locaux émergents deux fois par décennie du MoMA P.S. 1.

J'aimerais pouvoir écrire sur des spectacles en dehors de New York. J'ai souvent l'impression d'être la dernière personne à savoir quoi que ce soit, car je ne quitte presque jamais la ville, et quand je le fais, j'ai tendance à y aller pendant trois jours maximum. Voir entre 30 et 40 expositions par semaine dans une centaine de galeries et de musées me prend presque tout mon temps.

Je vois environ 100 spectacles par mois, allant des palais de la taille de Niketown où vous avez envie de crier aux vitrines de Bushwick. Chacun doit payer les factures; garder les artistes heureux; et faire face aux collectionneurs (oy!), conservateurs (ay-yi-yi), critiques (woo-hoo!), et parfois des plombiers. Le fait que leur vie financière soit souvent en jeu ne fait qu'ajouter à l'énergie.

Je vois 30 à 40 expositions en galerie par semaine, et peu importe dans quel genre d'humeur je suis, peu importe à quel point l'art est mauvais, je me sens presque toujours mieux après. Je peux apprendre autant du mauvais art que du bon.

Je me retrouve souvent à parler en privé de beaucoup d'art britannique, pensant qu'à l'exception de leurs immenses jardins, les Anglais ne sont pas principalement des artistes visuels et sont, de manière presque insurpassable, littéraires.

J'aime quelque chose à propos de George W. Bush. Beaucoup. Après avoir passé plus d'une décennie à avoir des réactions presque physiologiques et chimiques à chaque fois que je le voyais, à avoir les heebie-jeebies chaque fois qu'il parlait-après avoir été sûr dès le départ qu'il était un Gremlin sur l'aile de l'Amérique - J'aime vraiment les peintures de George W. Bush.

Je ne planifie pas mes visites de manière rigoureuse, mais j'ai une liste d'environ 125 galeries new-yorkaises, espaces alternatifs, musées, etc. que je visite régulièrement. C'est ce qui se rapproche le plus d'une stratégie: je vais dans beaucoup d'endroits, beaucoup que les artistes ne visitent pas.

Si la Foire d'art Frieze attire l'attention, j'imagine qu'au moins deux grandes choses se produisent. Tout d'abord, nous aurons à nouveau une énorme foire d'art en ville à laquelle il n'est pas trop ennuyeux d'aller. Plus important encore, Frieze pourrait enfin montrer aux New - Yorkais que nous pouvons traverser nos propres eaux pour la culture visuelle. Ça changerait tout.

Imaginez que c'est en 1981. Vous êtes un artiste, amoureux de l'art, épris d'histoire de l'art. Vous êtes aussi une femme, avec presque aucun mentor vers qui vous tourner; l'histoire de l'art n'est tout simplement pas en vous. Toute femme abordant l'histoire de l'art au début des années quatre-vingt tentait d'entrer dans un pays presque étranger, un domaine restreint et excluant qui parlait une langue privée.

À certains égards, Lawler est une Diane Arbus conceptuelle. C'est une harceleuse qui profite des situations. Elle tire les rideaux, ce qui fait que les choses normales ont l'air bizarres et que les bizarres deviennent banales.

Le travail de Koons s'est toujours distingué par sa perfection ponctuelle, sa théâtralité épique, sa volonté corrompue et presque maladive de purification et son obsession des valeurs artistiques traditionnelles.

Les peintures de Kinkade ne valent rien schmaltz, et les médias lamestream qui l'aiment ont tort. Cependant, j'aimerais voir un musée monter une petite exposition du travail de Kinkade. J'aimerais que le monde de l'art et le monde entier discutent de lui en public, au grand jour.

Il m'a fallu vingt ans pour obtenir le travail de Steven Parrino. Dès que j'ai vu son art pour la première fois, au milieu des années quatre-vingt, je l'ai presque toujours rejeté comme une abstraction maniérée, romantique, stéréotypée, conceptualiste-formaliste d'art de garçon heavy metal.

Tout comme Pollock a utilisé le goutte à goutte pour fusionner le processus et le produit, Richter a "trouvé" et a utilisé la tache et le flou pour ravir l'œil, créant des œuvres de puissance psychique et physique.

Jeffrey Deitch est le Jeff Koons des marchands d'art. Pas parce qu'il est le plus grand, le meilleur ou le plus riche de son espèce. Mais parce qu'à certains égards, il est le plus étrange (ce qui en dit long lorsque vous parlez des créatures merveilleuses, méchantes, adorables et ennuyeuses connues sous le nom de marchands d'art).

C'est génial que New York ait de grands espaces pour l'art. Mais l'énorme boîte immaculée est devenue un lieu daté, voire oppressant. Beaucoup de ces espaces ont été conçus pour des installations tentaculaires, de grandes peintures et le travail d'esthétique relationnelle des quinze dernières années.