Gerhard Richter citations célèbres

L'art est la plus haute forme d'espoir.

La peinture est mon métier, car cela a toujours été la chose qui m'intéressait le plus. J'ai un certain âge, je viens d'une tradition différente et, de toute façon, je ne peux rien faire d'autre. Je suis toujours très sûr que la peinture est l'une des capacités humaines les plus fondamentales, comme la danse et le chant, qui ont du sens, qui restent avec nous, comme quelque chose d'humain.

Maintenant, il n'y a plus de prêtres ni de philosophes, les artistes sont les personnes les plus importantes du monde.

Je ne sais pas comment décrire la qualité que l'on ne trouve que dans l'art (que ce soit la musique, la littérature, la peinture, ou autre), cette qualité, elle est juste là, et elle perdure.

Puisqu'il n'y a rien de tel que la justesse et la vérité absolues, nous poursuivons toujours la vérité artificielle, dirigeante et humaine. Nous jugeons et faisons une vérité qui exclut d'autres vérités. L'art joue un rôle formateur dans cette fabrication de la vérité.

L'art est le médium idéal pour entrer en contact avec le transcendantal, ou du moins pour s'en approcher.

Parler de peintures est non seulement difficile mais peut-être inutile aussi. Vous ne pouvez exprimer en mots que ce que les mots sont capables d'exprimer what quelle langue peut communiquer. La peinture n'a rien à voir avec ça.

L'art nous montre comment voir des choses constructives et bonnes, et en être une partie active.

Je trouve la période romantique extraordinairement intéressante. Mes paysages ont des liens avec le romantisme: parfois je ressens un réel désir, une attirance pour cette période, et certaines de mes photos sont un hommage à Caspar David Friedrich.

Je suis reconnaissant que l'Église existe, reconnaissant qu'elle ait fait de si grandes choses, nous donnant des lois, par exemple - "tu dois" et "tu ne dois pas" , et établissant le Bien et le Mal. C'est ce que font toutes les religions, et dès que nous essayons de les remplacer, les religions du monde comme le fascisme et le communisme prennent le relais.

Bien sûr, je désespère constamment de ma propre incapacité, de l'impossibilité d'accomplir quoi que ce soit, de brosser un tableau valable et vrai ou même de savoir à quoi une telle chose devrait ressembler. Mais ensuite, j'ai toujours l'espoir que, si je persévère, cela pourrait arriver un jour. Et cet espoir est nourri chaque fois que quelque chose apparaît, un soupçon initial dispersé,partiel, de quelque chose qui me rappelle ce à quoi j'aspire, ou qui en transmet un soupçon-bien que assez souvent j'ai été trompé par un aperçu momentané qui disparaît ensuite, ne laissant derrière moi que la chose habituelle.

J'ai souvent besoin de beaucoup de temps pour comprendre les choses, pour imaginer un tableau que je pourrais faire.

La photo est l'image la plus parfaite. Il ne change pas; il est absolu, et donc autonome, inconditionnel, dépourvu de style. Tant dans sa manière d'informer, que dans ce dont il informe, il est ma source.

J'aime tout ce qui n'a pas de style: les dictionnaires, les photographies, la nature, moi-même et mes peintures. (Parce que le style est violent, et je ne suis pas violent.)

Mes peintures sont plus sages que moi.

Imaginer des choses, prendre un point de vue, est ce qui nous rend humains; l'art donne du sens et donne forme à ce sens. C'est comme la recherche religieuse de Dieu.

Je suis ridiculement démodé.

L'art doit être sérieux, pas une blague. Je n'aime pas rire de l'art.

Je veux un contenu pictural sans sentiment, mais je le veux aussi humain que possible

Je vais à l'atelier tous les jours, mais je ne peins pas tous les jours. J'adore jouer avec mes modèles architecturaux. J'adore faire des projets. Je pourrais passer ma vie à arranger les choses.

Les semaines passent, et je ne peins pas jusqu'à ce que finalement je ne puisse plus le supporter. J'en ai marre. Je ne veux presque pas en parler, parce que je ne veux pas en prendre conscience, mais peut-être que je crée ces petites crises comme une sorte de stratégie secrète pour me pousser.

L'année est toujours correcte, aussi le mois, seul le jour peut être un autre. Mais cela ne me vient à l'esprit qu'au moment de l'écrire.

Presque chaque œuvre d'art est une analogie. Quand je fais une représentation de quelque chose, c'est aussi une analogie avec ce qui existe; je fais un effort pour saisir la chose en la représentant. Je préfère éviter tout ce qui est esthétique, pour ne pas mettre d'obstacles à ma manière et ne pas avoir le problème des gens qui disent: "Ah, oui, c'est comme ça qu'il voit le monde, c'est son interprétation.'

Je crois que l'art a une sorte de justesse, comme en musique, quand on entend si une note est fausse ou non

Bien sûr, les images d'objets ont aussi ce côté transcendantal. Chaque objet, faisant partie d'un monde finalement incompréhensible, incarne également ce monde; lorsqu'il est représenté dans une image, l'objet transmet ce mystère d'autant plus puissamment, moins l'image a de "fonction". D'où, par exemple, la fascination croissante de nombreux beaux portraits anciens.

La peinture pour les peintures grises a été préalablement mélangée puis appliquée avec différents outils-parfois un rouleau, parfois un pinceau. Ce n'est qu'après les avoir peintes que j'ai parfois senti que le gris n'était pas encore satisfaisant et qu'une autre couche de peinture était nécessaire.

Ce qui m'attirait dans mes miroirs, c'était l'idée de ne rien manipuler dedans. Un morceau de miroir acheté. Juste accroché là, sans aucun ajout, pour opérer immédiatement et directement. Même au risque d'être ennuyeux. Simple démonstration. Les miroirs, et plus encore les Vitres, étaient aussi certainement dirigés contre Duchamp, contre son Grand Verre.

J'ai commencé à faire des "figures", puis, un jour, tout d'un coup, j'ai commencé à faire de l'abstraction. Et puis j'ai commencé à faire les deux. Mais ce n'était jamais vraiment une décision consciente. C'était simplement une question de désir. En fait, je préfère vraiment faire du figuratif, mais la figure est difficile. Donc, pour contourner la difficulté, je fais une pause et je peins de manière abstraite. Ce que j'aime beaucoup, d'ailleurs, car cela me permet de faire de beaux tableaux.

Ma méthode est liée à une tentative de faire quelque chose qui pourrait être compris par le monde d'aujourd'hui, ou qui pourrait au moins fournir une compréhension. En d'autres termes, faire quelque chose que je comprends et que tout le monde comprend. Ce désir naturel de communication se retrouve également dans d'autres domaines, comme la lecture et le discours, etc. Je déteste aussi me répéter; cela ne me procure aucun plaisir. Une fois que j'ai compris quelque chose, j'ai besoin de repartir sur de nouvelles bases.

Contrairement à la photographie et aux estampes, je n'ai jamais catalogué, suivi ou exposé les croquis. J'en ai vendu de temps en temps, mais je ne me suis jamais considéré comme un graphiste. Ils sont devenus plus importants pour moi grâce à l'exposition, cependant, et je me suis rendu compte que ces dessins étaient assez intéressants après tout.

Je n'ai jamais rien trouvé qui manque dans une toile floue. Bien au contraire: vous pouvez y voir beaucoup plus de choses que dans une image très nette. Un paysage peint avec exactitude vous oblige à voir un nombre déterminé d'arbres clairement différenciés, tandis que dans une toile floue, vous pouvez percevoir autant d'arbres que vous le souhaitez. La peinture est plus ouverte.

Les images sont l'idée sous forme visuelle ou picturale; et l'idée doit être lisible, à la fois dans l'image individuelle et dans le contexte collectif - ce qui suppose, bien sûr, que les mots soient utilisés pour transmettre des informations sur l'idée et le contexte. Cependant, rien de tout cela ne signifie que les images fonctionnent comme des illustrations d'une idée: en fin de compte, elles sont l'idée. La formulation verbale de l'idée n'est pas non plus une traduction du visuel: elle porte simplement une certaine ressemblance avec le sens de l'idée. C'est une interprétation, littéralement une réflexion.

Une œuvre d'art est elle-même un objet, d'abord, et donc la manipulation est inévitable: c'est un prérequis. Mais j'avais besoin de la plus grande objectivité de la photographie pour corriger ma propre façon de voir: par exemple, si je dessine un objet dans la nature, je commence à le styliser et à le modifier en fonction de ma vision personnelle et de ma formation. Mais si je peins à partir d'une photographie, je peux oublier tous les critères que j'obtiens de ces sources. Je peux peindre contre ma volonté, pour ainsi dire. Et ça, pour moi, c'était comme un enrichissement.

La photographie n'a presque pas de réalité; c'est presque une image à cent pour cent. Et la peinture a toujours une réalité: vous pouvez toucher la peinture; elle a une présence; mais elle donne toujours une image - qu'elle soit bonne ou mauvaise. C'est toute la théorie. Ce n'est pas bon. Une fois, j'ai pris de petites photos et je les ai ensuite enduites de peinture. Cela a en partie résolu le problème, et c'est vraiment bien - mieux que tout ce que je pourrais jamais dire sur le sujet.

En fait, ce n'est que par l'intermédiaire du marchand Fred Jahn que j'ai réussi à surmonter mes réserves sur les œuvres sur papier et à les exposer. À cela s'ajoutait bien sûr le fait qu'après dix ans, je pouvais voir les aquarelles sous un jour différent, et en conjonction avec des tableaux peints par la suite, elles étaient au moins devenues plus compréhensibles pour moi.

Peindre des tableaux, c'est tout simplement le travail officiel, le travail quotidien, le métier, et dans le cas des aquarelles, je peux plus tôt me permettre de suivre mon humeur, mon moral.

Des photos de famille, des photos de groupes, c'est vraiment merveilleux. Et ils sont tout aussi bons que les maîtres anciens, tout aussi riches et tout aussi magnifiquement composés (qu'est-ce que cela signifie de toute façon).

Lorsque je peins à partir d'une photographie, la pensée consciente est éliminée. Je ne sais pas ce que je fais. Mon travail est beaucoup plus proche de l'Informel que de tout type de "réalisme". La photographie a une abstraction qui lui est propre, qui n'est pas facile à voir à travers.

En ce qui concerne la surface - huile sur toile, appliquée de manière conventionnelle - mes images ont peu à voir avec la photographie originale. Ils sont totalement en train de peindre (quoi que cela puisse signifier). D'autre part, ils ressemblent tellement à la photographie que la chose qui la distinguait de toutes les autres images reste intacte.

Peut-être que le choix est négatif, en ce sens que j'essayais d'éviter tout ce qui touchait à des problèmes bien connus - ou à tout problème, qu'il soit pictural, social ou esthétique. J'ai essayé de ne rien trouver de trop explicite, d'où tous les sujets banals; et puis, encore une fois, j'ai essayé d'éviter de laisser le banal devenir mon problème et ma marque de fabrique. Donc, tout est une action évasive, d'une certaine manière.

Peut-être les Portes, les Rideaux, les Images de surface, les Vitres, etc. sont des métaphores du désespoir, suscitées par le dilemme que notre sens de la vue nous fait appréhender les choses, mais en même temps restreint et exclut en partie notre appréhension de la réalité.

Les premiers nuanciers n'étaient pas systématiques. Ils étaient basés directement sur des échantillons de couleur commerciaux. Ils étaient encore liés au Pop art. Dans les toiles qui ont suivi, les couleurs ont été choisies arbitrairement et dessinées par hasard. Ensuite, 180 tons ont été mélangés selon un système donné et dessinés au hasard pour faire quatre variations de 180 tons. Mais après cela, le nombre 180 m'a semblé trop arbitraire, alors j'ai développé un système basé sur un certain nombre de tons et de proportions rigoureusement définis.

À partir des mélanges des trois couleurs primaires, avec le noir et le blanc, j'arrive à un certain nombre de couleurs possibles et, en les multipliant par deux ou quatre, j'obtiens un certain nombre de champs de couleurs que je multiplie encore par deux, etc. Mais la réalisation complète de ce projet demande beaucoup de temps et de travail.

Je crois qu'il savait plus ce qu'il faisait. Je peux me tromper complètement à ce sujet, mais c'était mon impression.

Le gris est certainement inspiré des photos-peintures, et, bien sûr, c'est lié au fait que je pense que le gris est une couleur importante - la couleur idéale pour l'indifférence, la clôture, le silence, le désespoir. Autrement dit, pour des états d'être et des situations qui nous touchent, et pour lesquels on aimerait trouver une expression visuelle.

L'art est toujours dans une large mesure une question de besoin, de désespoir et de désespoir.

Vous pouvez le comparer à des rêves: vous avez un langage pictural très spécifique et individuel que vous acceptez ou que vous pouvez traduire imprudemment et à tort. Bien sûr, vous pouvez ignorer les rêves, mais ce serait dommage, car ils sont utiles.

Je ne sais pas ce qui a motivé l'artiste, ce qui signifie que les peintures ont une qualité intrinsèque. Je pense que Goethe l'appelait la "dimension essentielle", la chose qui fait la grandeur des grandes œuvres d'art.

En vérité, les informations factuelles-noms ou dates-ne m'ont jamais beaucoup intéressé. Ces choses sont comme un langage étranger qui peut interférer avec le langage de la peinture, voire empêcher son émergence.

Avec un pinceau, vous avez le contrôle. La peinture va sur le pinceau et vous faites la marque. Par expérience, vous savez exactement ce qui va se passer. Avec la raclette, vous perdez le contrôle.