Bridget Riley citations célèbres

Pour moi, la nature n'est pas un paysage, mais le dynamisme des forces visuelles, un événement plutôt qu'une apparence. Ces forces ne peuvent être combattues qu'en traitant la couleur et la forme comme des identités ultimes, en les libérant de tout rôle descriptif ou fonctionnel.

Au fur et à mesure que l'artiste choisit son chemin, rejetant et acceptant au fur et à mesure, certains schémas d'enquête émergent.

Je travaille à deux niveaux. J'occupe mon esprit conscient avec des choses à faire, des lignes à dessiner, des mouvements à organiser, des rythmes à inventer. En fait, je me tiens occupé. Mais cela permet à d'autres choses de se produire que je ne contrôle pas... plus j'exerce mon esprit conscient, plus les autres choses peuvent être ouvertes qu'elles peuvent traverser.

Les premières œuvres d'un artiste sont inévitablement constituées d'un mélange de tendances et d'intérêts, dont certains sont compatibles et d'autres en conflit

Je pense que ce manque de centre a quelque chose à voir avec la perte de certitudes que le christianisme avait à offrir

Je ne fais jamais d'études sur la nature. Ils se mettraient en travers du chemin. Je fais usage de mon esprit.

La peinture est une science poursuivie comme une enquête sur les lois de la nature...L'observation est considérée comme la clé des sciences naturelles.

J'avais l'habitude de développer des sensations, accumulant des tensions jusqu'à ce qu'elles libèrent une expérience perceptuelle

La focalisation n'est pas seulement une activité optique; c'est aussi une activité mentale.

Je ne pouvais pas m'approcher de ce que je voulais en voyant, en reconnaissant et en recréant, alors j'ai posé le problème sur sa tête. J'ai commencé à étudier les carrés, les rectangles, les triangles et les sensations qu'ils provoquent Il est faux que mon travail dépende d'une impulsion littéraire ou ait une intention illustrative. Les marques sur la toile sont des agents uniques et essentiels dans une série de relations qui forment la structure de la peinture.

Il fut un temps où les significations étaient focalisées et la réalité pouvait être fixée; lorsque ce genre de croyance a disparu, les choses sont devenues incertaines et ouvertes à l'interprétation.

Si vous pouvez permettre à la couleur de respirer, d'occuper son propre espace, de jouer son propre jeu de manière instable, c'est un comportement gratuit, pour ainsi dire. C'est la promiscuité comme rien.

Ce n'est qu'après avoir quitté l'école d'art que j'ai copié un petit Seurat, et je l'ai copié afin de suivre sa pensée, car si vous copiez un artiste, et que vous avez un sentiment proche de lui, en fait que vous avez besoin d'en savoir plus sur son travail, il n'y a pas de meilleur moyen que de copier réellement, car vous vous rapprochez vraiment de la façon dont quelqu'un pense.

Les échecs d'un artiste sont aussi précieux que ses succès: en jugeant mal une chose, il conforme autre chose, même si à l'époque il ne sait pas ce qu'est cette autre chose.

En général, mes peintures sont multifocales. Vous ne pouvez pas appeler cela un espace flou, mais ne pas être fixé sur un seul foyer est une grande partie de notre temps.

Il est important que la peinture puisse être habitée, afin que l'œil de l'esprit, ou l'esprit de l'œil, puisse s'y déplacer de manière crédible.

Le mot "paradoxe" a toujours eu une sorte de magie pour moi, et je pense que mes images ont une qualité paradoxale, un paradoxe de chaos et d'ordre en un.

Dans mes peintures précédentes, je voulais que l'espace entre le plan de l'image et le spectateur soit actif. C'est dans cet espace, paradoxalement, que la peinture a eu lieu. Puis, petit à petit, et dans une certaine mesure délibérément, je l'ai fait aller dans l'autre sens, ouvrant un espace intérieur... de sorte qu'il y avait une profondeur stratifiée et peu profonde.

J'ai appris de Seurat cette chose importante sur la couleur et la lumière, qu' "une lumière" peut être construite à partir de la couleur. J'ai beaucoup appris sur l'interaction, qu'un "bleu" dans différentes parties jouera toutes sortes de rôles différents.

La base réelle de la couleur est l'instabilité. Une fois que vous acceptez qu'au lieu de quelque chose qui est stable, qui est la forme, vous avez affaire à quelque chose qui est instable dans son caractère fondamental, vous commencez à trouver un moyen de le gérer.

Il semble que la personnalité la plus profonde et la plus vraie de l'artiste n'émerge que dans la prise de décisions... en refusant et en acceptant, en changeant et en révisant.

En tant que peintre aujourd'hui, vous devez travailler sans cette plate-forme essentielle. Mais si l'on ne se trompe pas et n'accepte pas ce manque de certitude, d'autres choses peuvent entrer en jeu.

La peinture est, je pense, inévitablement une activité archaïque et qui dépend de valeurs spirituelles.

Je travaille avec la nature, bien qu'en des termes complètement nouveaux.

Dans mes peintures précédentes, je voulais que l'espace entre le plan de l'image et le spectateur soit actif.

Pour moi, la nature n'est pas le paysage, mais le dynamisme des forces visuelles.

Les peintres ont toujours eu besoin d'une sorte de voile sur lequel ils peuvent concentrer leur attention. C'est comme si plus la conscience est pleinement absorbée, plus la liberté de l'esprit derrière elle est grande

L'œil peut se déplacer sur la surface d'une manière parallèle à la façon dont il se déplace sur la nature. Il doit se sentir caressé et apaisé, éprouver des frictions et des ruptures, glisser et dériver. Un instant, il n'y aura plus rien à regarder et la seconde suivante, la toile semble se remplir, être encombrée d'événements visuels.