Harold Rosenberg citations célèbres

La nouvelle peinture a brisé toute distinction entre l'art et la vie.

À un certain moment, la toile a commencé à apparaître à un peintre américain après l'autre comme une arène dans laquelle agir-plutôt que comme un espace dans lequel reproduire, redessiner, analyser ou exprimer un objet, réel ou imaginé. Ce qui devait aller sur la toile n'était pas une image mais un événement.

Seuls les conservateurs croient que la subversion se poursuit encore dans les arts et que la société en est ébranlée. L'art avancé aujourd'hui n'est plus une cause-il ne contient aucun impératif moral. Il n'y a aucune vertu à s'accrocher aux principes et aux normes, aucun vice à vendre ou à se vendre.

Le but de l'éducation est d'empêcher une culture d'être noyée dans des répétitions insensées, chacune prétendant offrir un nouvel aperçu.

Un artiste est une personne qui a inventé un artiste.

Le but de tout artiste authentique n'est pas de se conformer à l'histoire de l'art, mais de s'en libérer pour la remplacer par sa propre histoire.

Ce n'est qu'en appréhendant, au moyen de créations actuelles, comment l'art est créé, que les créations d'autres époques peuvent être véritablement appréciées.

L'art abstrait tel qu'il est conçu actuellement est un jeu légué à la peinture et à la sculpture par l'histoire de l'art. Celui qui accepte ses prémisses doit consentir à limiter son imagination à une casuistique déprimante concernant les exigences formelles du modernisme.

L'imitation de l'art des siècles précédents, comme celle faite par Picasso et Modigliani, se poursuit non pas pour perpétuer des valeurs anciennes mais pour démontrer que de nouveaux ordres esthétiques prévalent désormais.

Abandonné par la philosophie, la politique et la sociologie, le déterminisme historique continue de tenir dans la critique d'art formaliste.

Une peinture qui est un acte est indissociable de la biographie de l'artiste.

La grandeur dans l'art est toujours un sous-produit.

Aux États-Unis, les révoltes ont tendance à être dirigées contre des situations spécifiques, rarement contre la structure sociale dans son ensemble.

L'art est arrivé au paradoxe que la tradition elle-même nécessite l'apparition d'attaques radicales contre la tradition.

L'internationalisation de l'art devient un facteur contribuant à l'éloignement de l'art de l'artiste. La somme des œuvres de tous les temps et de tous les lieux s'oppose à lui en tant qu'entité avec des objectifs et des valeurs qui lui sont propres. À son tour, depuis qu'il a pris conscience du corpus organisé d'œuvres d'art comme obstacle à sa propre affirmation esthétique de soi, l'artiste est poussé vers l'anti-intellectualisme et le rejet volontaire de l'art du passé.

Si être un artiste anti-art est difficile, être un historien de l'art anti-art est une position difficile en effet. Son révolutionnaire doctrinal n'apporte rien de nouveau dans l'art mais reconstitue des bouleversements sur le plan symbolique du langage. Il fournit la conviction réconfortante que des renversements se produisent comme par le passé, que les barrières à la création sont surmontées et que l'art poursuit un but radical, même si ce n'est que le but de s'en prendre à lui-même.

Le kitsch est l'art quotidien de notre époque, comme l'était le vase ou l'hymne pour les générations précédentes. Pour la sensibilité, il a cet arbitraire et cette importance que prennent les œuvres lorsqu'elles ne sont plus des éléments perceptibles de l'environnement. En Amérique, le kitsch est la nature. Les montagnes Rocheuses ressemblent à de l'art factice depuis un siècle.

La lutte pour faire une déclaration absolue dans un vocabulaire conçu individuellement explique les tensions profondes inhérentes au meilleur travail moderne.

Les expositions d'art minoritaire visent souvent à rendre la minorité elle-même plus consciente de son expérience collective. Renforcer la mémoire commune des misères et des triomphes renforcera, on l'espère, l'unité du groupe et sa détermination à parvenir à un avenir meilleur. Mais mettre l'accent sur l'expérience partagée par opposition à la conscience de soi de l'artiste (qui inclut son expérience personnelle et non partagée des chefs-d'œuvre) met en évidence la tension chez l'artiste individuel entre être un artiste et être un artiste minoritaire.

Pour l'artiste, l'épanouissement de soi ne consiste pas à marcher dans les rangs des libérateurs mais à être inscrit au tableau des Maîtres. L'artiste tend à se retrouver dans la position d'un déserteur de son groupe social ou, au mieux, d'un collaborateur, avec des réserves secrètes.

Non seulement l'esprit des artistes a été formé par l'université; dans le même moule se sont formés ceux des historiens de l'art, des critiques, des conservateurs et des collectionneurs par lesquels leur travail a été évalué. Avec l'essor de l'art conceptuel, la salle de classe a annoncé son triomphe final sur le studio.

L'artiste est obligé d'inventer le moi qui peindra ses tableaux.

L'art et l'artiste manquent d'identité et ne se définissent que par leur rencontre l'un avec l'autre.

Combien le travail d'un artiste doit à un mouvement artistique auquel il appartient ne peut jamais être déterminé exactement, ne serait-ce que parce que le mouvement tire son caractère des créations individuelles de ses membres.

Les compétences de l'artiste moderne sont à l'opposé de celles de l'artisan: au lieu d'acquérir des techniques de production de classes d'objets, l'artiste perfectionne aujourd'hui les moyens adaptés à son travail particulier.

La démoralisation actuelle du monde de l'art est attribuable au moins en partie à l'interférence des musées, idéologique et pratique, avec la création artistique en cours.

Seuls les conservateurs croient que la subversion se poursuit encore dans les arts et que la société en est ébranlée...

Aucun revendeur, conservateur, acheteur ou critique, ou toute combinaison existante de ceux-ci, ne peut être invoqué pour produire une réputation qui est plus qu'une vague momentanée.

L'Amérique est la civilisation des gens engagés dans la transformation d'eux-mêmes. Dans le passé, les vedettes de la performance étaient le pionnier et l'immigrant. Aujourd'hui, c'est la jeunesse et le Noir.

Le grand moment est venu quand il a été décidé de peindre...Juste Pour Peindre. Le geste sur la toile était un geste de libération, de Valeur - politique, esthétique, morale.

Les différences entre révolution dans l'art et révolution dans la politique sont énormes. La révolution dans l'art ne réside pas dans la volonté de détruire mais dans la révélation de ce qui a déjà été détruit. L'art ne tue que les morts.

Celui qui entreprend de créer se trouve bientôt engagé dans la création de lui-même.

Aujourd'hui, chaque artiste doit entreprendre de s'inventer lui-même, un acte de création de toute une vie qui constitue le contenu essentiel de l'œuvre de l'artiste.

L'une des grotesques de la vie américaine actuelle est la quantité de raisonnement qui consiste à afficher la sagesse sécrétée dans les mauvais films tout en prouvant que l'art moderne n'a pas de sens. Ils ont mis en pratique l'idée qu'une mauvaise œuvre d'art intelligemment interprétée selon une méthode obscure est plus gratifiante qu'un chef-d'œuvre enveloppé de silence.

L'avant-gardisme est une addiction qui ne peut être apaisée que par une révolution en permanence.

Quel meilleur moyen de prouver que vous comprenez un sujet que d'en tirer de l'argent?

Aucun degré de matité ne peut protéger une œuvre contre la détermination des critiques à la trouver fascinante.

Les valeurs auxquelles les conservateurs font appel sont inévitablement caricaturées par les personnes désignées pour les mettre en pratique.

La politique aux États-Unis consiste en la lutte entre ceux dont le changement a été arrêté par le succès ou l'échec, d'un côté, et ceux qui sont encore engagés dans le changement d'eux-mêmes, de l'autre. Agitateurs de métamorphose arrêtée versus agitateurs de métamorphose continue. Les premiers ont l'avantage du nombre (puisque la plupart des gens s'acceptent assez tôt comme des succès ou des échecs), les seconds de la vitalité et de la visibilité (puisque la transformation de soi, bien qu'elle commence de l'intérieur, avec l'idéologie, la religion, la drogue, tend à s'exprimer publiquement à travers le costume et le jargon).

Il n'est pas logique que l'art soit logique. L'art va à contre-courant du temps aussi facilement qu'il va avec et au même moment. Au lieu de chercher la sortie la plus proche, l'art répond à une nouvelle situation en découvrant un labyrinthe de problèmes.

La forme, la couleur, la composition, le dessin, sont des auxiliaires, dont n'importe lequel... peut être supprimé.

Des critiques coopératifs parcourent les studios comme des éclaireurs de grande ligue, prêts à repérer l'art du futur et à prendre l'initiative d'établir des réputations. Les historiens de l'art se tiennent prêts avec des appareils photo et des cahiers pour s'assurer que chaque détail nouveau est sans danger pour le dossier. La tradition du nouveau a réduit toutes les autres traditions à la trivialité...

Un peintre de prestige parmi les peintres est voué à être découvert tôt ou tard.

L'artiste n'existe que comme personnification, figure de style qui représente la somme totale de l'art lui-même. C'est la peinture qui est le génie du peintre, la poésie du poète, et une personne est un artiste créateur dans la mesure où elle participe à ce génie.

Celui qui entreprend de créer se trouve bientôt engagé dans la création de lui-même. La transformation de soi et la transformation des autres ont constitué l'intérêt radical de notre siècle, que ce soit en peinture, en psychiatrie ou en action politique.

En réalité, cependant, un artiste est un produit de l'art

L'histoire des Américains est l'histoire des métamorphoses arrêtées. Ceux qui réussissent s'arrêtent et s'acceptent tels qu'ils sont. Ceux qui échouent deviennent résignés et s'acceptent tels qu'ils sont.

Le temps américain s'est étiré dans le monde entier. Il est devenu le tempo dominant de l'histoire moderne, en particulier de l'histoire de l'Europe.